倫敦設計節如何成為策展方法
2016 年，我特地前往倫敦看 London Design Festival。對長期關注公共藝術的人來說，每年的 Serpentine Pavilion 幾乎已經成為固定追蹤的案例。它像是一種朝聖，每年在同一片開放空間裡，邀請不同建築師重新回答建築、材料、結構與公共空間的關係。那一年 BIG 把一面牆逐漸拉開，讓邊界成為可以進入的空間。對當時的我而言，倫敦像是一個巨大的實驗場，新的材料、新的空間觀念、新的設計方法，都可以直接用一比一的尺度放進城市接受測試。
那也是我第一次強烈感受到「設計節」與城市之間的關係。即使當時人在德國，也很難遇到一個如此完整、集中於同一時期，卻又分散在整座城市裡發生的設計盛會。德國當然有非常強大的設計與製造能力，只是它呈現自己的方法不同。倫敦把設計帶進博物館、美術館、街區、商店與公共空間；德國更習慣透過 Messe，把材料、技術、產品、買家與製造商集中在會展中心裡。兩種模式背後其實代表兩套完全不同的文化。
來到倫敦，設計節之外，最難忽略的仍然是它龐大的博物館系統。Tate、British Museum、V&A、National Gallery，許多國家級文化機構的常設收藏都可以免費進入。當博物館不再是一年偶爾造訪一次的特殊場所，而可以成為日常生活的一部分，人的觀看方式自然可能慢慢改變。今天只看一幅畫，明天進去坐半個小時，週末帶孩子看看一件雕塑。長期累積之後，文化與設計形成的就不只是知識，也是一種對比例、材料、歷史、空間與美感的熟悉。
因此我開始思考，一個國家的設計能力究竟從哪裡開始。也許並不只發生在設計學院，更早以前就存在於博物館、街道、公園與公共教育裡。如果一個人從小就能直接接觸世界級收藏與設計，視野被打開之後，細緻的品味似乎也會慢慢成為日常的一部分。
然而事情沒有這麼單純。
我在倫敦停留的時間並不長。陰鬱的天氣甚至讓我覺得比德國更甚；倫敦人的表面禮數很完整，那種克制與距離也讓我印象深刻。城市乾淨、清爽，很多地方都維持著一種不特別張揚的秩序感。食物對我而言則實在乏善可陳。至於這麼龐大的文化資源，究竟有多少真正轉化到一般人的生活品質、公共服務與日常審美之中，我其實無法憑幾天旅行回答。短暫的過客最容易看到城市希望被看見的那一面，對真正的生活結構仍然可能失準。
這也讓我重新想到德國。德國的設計實力很少需要透過整座城市製造一場盛大的設計節來證明。它更直接地存在於 Messe 裡。家具、燈具、建材、汽車、工業設備，各自進入高度專業化的會展系統。那種展示也許少了一點親民與浪漫，卻非常實際。產品能不能量產，材料能不能取得，成本能不能控制，市場願不願意購買，最後都必須在那裡接受檢驗。
美是一種品味，市場則是另一種現實。真正能夠落地的方案，才有機會繼續存在。
如果把 Messe 與 Design Festival 都理解成情報交換平台，兩者各有自己的效率。Messe 的優勢是集中。有限的時間裡，可以快速接觸大量品牌、材料、製造商與世界級產品，不必花大量時間在城市裡換場館、搭車、排隊與等待。它展示的是一個國家的產業深度、製造能力與市場規模。
Design Festival 的力量則來自分散。人從一間美術館走到一條街，再走進一家工坊、一座歷史建築或一個公共廣場。設計與旅行、建築、飲食、街區和人的生活混在一起。旅程的目的也因此不再只有「看展」。城市本身開始成為展覽內容。
從經濟效應來看，兩者都可以在短時間內帶動旅宿、交通、餐飲與消費，只是一個集中在會展系統周圍，一個把人流分散到城市各處。Messe 比較像高效率的產業機器，Design Festival 更接近城市體驗。如果旅行本身也是目的，設計節顯然提供了更多理解城市的入口。
因此，現在回頭看 2016 年的倫敦設計節，我不再只把它理解為「全球最新設計趨勢的展示」。其中很多作品本來就是尚未成熟的實驗，有些最後會消失，有些形式很快過時，有些概念卻可能在幾年之後進入建築、材料與公共空間。它真正重要的地方，也許是提供了一個讓實驗被看見、讓不同領域的人相遇、讓學生與一般市民接近設計的公共平台。
設計節於是成為一座城市的放大鏡。
當大量外來人口短時間進入城市，真正被測試的其實不只展覽。地鐵是否方便、標示是否清楚、公共空間是否安全、服務系統是否成熟、博物館是否容易進入、街區是否願意容納陌生人，全部一起接受檢驗。缺少這些條件，再精彩的活動也很難真正成為城市文化。
後來看過 Vienna Design Week，我又感受到另一種尺度。維也納比較像把設計往自己的城市內部推進，從地方工藝、老建築、街區與居民關係裡尋找題目；倫敦則更像把整座城市打開，讓世界的設計網絡進入，再透過博物館、品牌、學校、公共空間與不同 Design District 向全球發聲。
一個向內挖掘城市。一個向外建立連結。兩種方法沒有必要分出高下，它們讓我開始理解，真正成熟的設計節最終討論的可能已經超過「今年流行什麼」。
它真正提出的是另一個問題：
一座城市，要如何把自己的歷史、產業、公共空間、文化機構與日常生活，重新組織成一種觀看世界的方法。 當城市做到這件事，城市本身就已經成為策展方法。
Wie das London Design Festival zur kuratorischen Methode wurde
2016 reiste ich eigens nach London, um das London Design Festival zu besuchen. Für Menschen, die sich seit Langem mit Kunst im öffentlichen Raum beschäftigen, ist der jährliche Serpentine Pavilion beinahe zu einem festen Beobachtungsgegenstand geworden. Der Besuch gleicht einer Pilgerreise. Jahr für Jahr wird am selben offenen Ort ein anderes Architekturbüro eingeladen, das Verhältnis von Architektur, Material, Konstruktion und öffentlichem Raum neu zu beantworten. In jenem Jahr zog BIG eine Wand schrittweise auseinander und verwandelte die Grenze in einen begehbaren Raum. London erschien mir damals wie ein riesiges Versuchsfeld. Neue Materialien, neue Raumvorstellungen und neue Entwurfsmethoden konnten im Maßstab eins zu eins direkt in die Stadt gesetzt und dort erprobt werden.
Damals spürte ich auch zum ersten Mal deutlich die Beziehung zwischen einem Designfestival und einer Stadt. Obwohl ich zu dieser Zeit in Deutschland lebte, war eine Designveranstaltung von solcher Geschlossenheit kaum zu finden: auf denselben Zeitraum konzentriert und zugleich über die ganze Stadt verteilt. Deutschland besitzt zweifellos eine enorme Design- und Fertigungskompetenz, präsentiert sie jedoch auf andere Weise. London bringt Design in Museen, Galerien, Quartiere, Geschäfte und öffentliche Räume. Deutschland bündelt Materialien, Technologien, Produkte, Käufer und Hersteller eher in Messezentren. Hinter den beiden Modellen stehen zwei grundverschiedene Kulturen.
Neben dem Designfestival ließ sich Londons gewaltiges Museumssystem kaum übersehen. Die Dauersammlungen vieler nationaler Kulturinstitutionen, darunter Tate, British Museum, V&A und National Gallery, sind frei zugänglich. Wenn ein Museum kein besonderer Ort mehr ist, den man einmal im Jahr besucht, und stattdessen Teil des Alltags wird, kann sich die Art des Sehens allmählich verändern. Heute betrachtet man nur ein Gemälde, morgen sitzt man eine halbe Stunde dort, und am Wochenende zeigt man einem Kind eine Skulptur. Mit der Zeit erzeugen Kultur und Design mehr als Wissen. Es entsteht eine Vertrautheit mit Proportion, Material, Geschichte, Raum und Ästhetik.
So begann ich darüber nachzudenken, wo die Designfähigkeit eines Landes eigentlich ihren Anfang nimmt. Vielleicht entsteht sie nicht nur an Designhochschulen. Möglicherweise ist sie viel früher bereits in Museen, Straßen, Parks und der öffentlichen Bildung angelegt. Wenn ein Mensch von Kindheit an unmittelbar mit Sammlungen und Design von Weltrang in Berührung kommt, öffnet sich sein Blickfeld, und ein differenziertes Geschmacksempfinden kann langsam Teil des Alltags werden.
Doch so einfach ist es nicht.
Mein Aufenthalt in London war kurz. Das trübe Wetter empfand ich sogar als bedrückender als in Deutschland. Die Londoner beherrschten die äußeren Formen der Höflichkeit vollkommen, und auch ihre Zurückhaltung und Distanz blieben mir im Gedächtnis. Die Stadt war sauber und klar, vielerorts herrschte eine unaufdringliche Ordnung. Das Essen fand ich allerdings ausgesprochen reizlos. Wie viel von den gewaltigen kulturellen Ressourcen tatsächlich in die Lebensqualität gewöhnlicher Menschen, in öffentliche Dienstleistungen und in die Ästhetik des Alltags einfließt, konnte ich nach wenigen Reisetagen nicht beurteilen. Ein vorübergehender Gast sieht am leichtesten die Seite, die eine Stadt zeigen möchte, und kann ihre wirklichen Lebensstrukturen weiterhin verkennen.
Dadurch dachte ich erneut an Deutschland. Die Stärke des deutschen Designs muss nur selten durch ein großes Festival in der ganzen Stadt bewiesen werden. Sie zeigt sich unmittelbarer auf Messen. Möbel, Leuchten, Baustoffe, Automobile und Industrieanlagen finden jeweils Eingang in hoch spezialisierte Messesysteme. Solche Präsentationen wirken vielleicht weniger zugänglich und romantisch, sind jedoch äußerst praktisch. Ob ein Produkt in Serie gefertigt werden kann, ob Materialien verfügbar sind, ob sich Kosten kontrollieren lassen und ob der Markt zum Kauf bereit ist, muss sich dort letztlich bewähren.
Schönheit ist eine Form des Geschmacks, der Markt eine andere Wirklichkeit. Nur ein realisierbarer Entwurf hat die Chance, fortzubestehen.
Versteht man Messe und Design Festival gleichermaßen als Plattformen des Informationsaustauschs, besitzt jedes Modell seine eigene Effizienz. Die Stärke der Messe liegt in der Konzentration. In begrenzter Zeit kann man schnell zahlreiche Marken, Materialien, Hersteller und Produkte von Weltrang kennenlernen, ohne viele Stunden mit Ortswechseln, Fahrten, Warteschlangen und Wartezeiten in der Stadt zu verbringen. Sie zeigt die industrielle Tiefe, die Fertigungskompetenz und die Marktgröße eines Landes.
Die Kraft des Design Festival entsteht dagegen aus der Verteilung. Man geht von einem Museum auf eine Straße und weiter in eine Werkstatt, ein historisches Gebäude oder auf einen öffentlichen Platz. Design vermischt sich mit Reisen, Architektur, Essen, Stadtquartieren und dem Leben der Menschen. Der Zweck der Reise geht dadurch über den Ausstellungsbesuch hinaus. Die Stadt selbst wird zum Inhalt der Ausstellung.
Wirtschaftlich betrachtet können beide Modelle innerhalb kurzer Zeit Beherbergung, Verkehr, Gastronomie und Konsum beleben. Das eine bündelt den Besucherstrom rund um das Messesystem, das andere verteilt ihn über die Stadt. Die Messe ähnelt einer hocheffizienten Industriemaschine, das Design Festival eher einem urbanen Erlebnis. Wenn die Reise selbst ebenfalls zum Ziel gehört, eröffnet ein Designfestival deutlich mehr Zugänge, um eine Stadt zu verstehen.
Wenn ich heute auf das London Design Festival 2016 zurückblicke, verstehe ich es nicht mehr lediglich als Präsentation der neuesten globalen Designtrends. Viele Arbeiten waren von Anfang an noch unreife Experimente. Manche verschwanden, manche Formen veralteten rasch, während manche Ideen erst Jahre später in Architektur, Materialien und öffentliche Räume eingingen. Seine eigentliche Bedeutung liegt vielleicht darin, eine öffentliche Plattform zu bieten, auf der Experimente sichtbar werden, Menschen aus verschiedenen Bereichen zusammentreffen und Studierende sowie gewöhnliche Bürger dem Design näherkommen können.
So wird das Designfestival zum Vergrößerungsglas einer Stadt.
Wenn innerhalb kurzer Zeit viele auswärtige Besucher in eine Stadt kommen, werden weit mehr als die Ausstellungen geprüft. Die Benutzerfreundlichkeit der U-Bahn, die Klarheit der Beschilderung, die Sicherheit öffentlicher Räume, die Reife der Dienstleistungen, der einfache Zugang zu Museen und die Bereitschaft der Quartiere, Fremde aufzunehmen, stehen gemeinsam auf dem Prüfstand. Fehlen diese Bedingungen, kann selbst eine herausragende Veranstaltung kaum zu wirklicher Stadtkultur werden.
Später erlebte ich bei der Vienna Design Week einen anderen Maßstab. Wien schien Design eher in das Innere der eigenen Stadt zu führen und seine Themen in lokalem Handwerk, alten Gebäuden, Quartieren und den Beziehungen zu Bewohnern zu suchen. London dagegen schien die ganze Stadt zu öffnen, globale Designnetzwerke eintreten zu lassen und anschließend über Museen, Marken, Schulen, öffentliche Räume und verschiedene Design Districts zur Welt zu sprechen.
Die eine Methode gräbt nach innen in die Stadt. Die andere baut Verbindungen nach außen auf. Beide müssen nicht hierarchisch geordnet werden. Durch sie begann ich zu verstehen, dass ein reifes Designfestival letztlich weit mehr verhandelt als die Frage, was in diesem Jahr im Trend liegt.
Es stellt vielmehr eine andere Frage:
Wie kann eine Stadt ihre Geschichte, ihre Industrien, ihre öffentlichen Räume, ihre Kulturinstitutionen und ihren Alltag neu zu einer Art ordnen, die Welt zu betrachten? Wenn einer Stadt das gelingt, ist die Stadt selbst bereits zu einer kuratorischen Methode geworden.
